Per precisare, mi laureerò in Discipline delle Arti, della Musica e dello Spettacolo, meglio conosciuta come DAMS, con curriculum di spettacolo, ecco perché mi sento in diritto di recensire film, sono la mia materia di studio.

Le recensioni musicali, invece, sono per mio puro diletto, per quanto io sia un musicista facente parte di un gruppo Hard Rock, per cui, diciamo, qualcosina so.

Ecco, dopo questa parte assolutamente non richiesta, vi faccio la promessa che il blog tornerà (sempre che ci sia veramente qualcuno che aspetta che questo succeda, e dubito). Non so quanto presto, ma tornerà.

Nel frattempo, vi saluto.

La locandina

Titolo: Nemico Pubblico

Titolo originale: Public Enemies

Regia: Michael Mann

Produttori: Michael Mann, Kevin Misher

Soggetto: basato sull’omonimo libro di Bryan Burrough

Sceneggiatura: Ronan Bennett, Ann Bidermann, Michael Mann

Nazione: Stati Uniti

Durata: 140 minuti

Distribuzione: Universal Pictures

Anno: 2009

Interpreti e personaggi:

Johnny Depp: John Dillinger

Christian Bale: Melvin Purvis

Marion Cotillard: Billie Frechette

Giovanni Ribisi: Alvin Karpis

Stephen Graham: Baby Face Nelson

Spencer Garrett: Tommy Carroll

Stephen Lang: Charles Winstead

Billy Crudup: J. Edgar Hoover

Jason Clarke: John “Red” Hamilton

Christian Stolte: Charles Makley

David Wenham: Harry Pierpoint

Trama

John Dillinger, considerato il nemico pubblico numero uno negli Stati Uniti, evade di nuovo di prigione e ricomincia a rapinare banche con bottini milionari. Il governo americano mette allora sulle sue tracce il detectice Melvin Purvis, che ha già catturato o ucciso diversi grandi criminali. Nel frattempo, John Dillinger conosce una donna di nome Billie Frechette e finisce per innamorarsene…

Recensione

Avvertenza: questo film è tratto, seppur con qualche licenza, da una storia realmente accaduta, il cui svolgimento potrebbe essere già noto ad alcuni. Si fa comunque presente che parte di questa storia e del suo finale potrebbero venire rivelati all’interno di questa recensione.

Michael Mann, già regista di film acclamati quali “L’Ultimo Dei Mohicani” e “Alì“, torna sul grande schermo con un’altra delle sue pellicole biografiche su personaggi che fecero discutere:  “Nemico Pubblico“, infatti, narra le “gesta” di John Dillinger, autore di diverse rapine ad importanti banche americane e genio dell’evasione. Ed è proprio con un’evasione che il film inizia, il che sembra promettere bene, ma, man mano che il film prosegue, se ne scoprono le diverse pecche.

Il grosso problema di questo film sono le inquadrature. Per quanto ce ne siano di spettacolari (la camera che riprende la fiancata di un’automobile che riflette i paesaggi che sta attraversando), per la maggior parte del film esse non solo sono abbastanza scolastiche,  ma sono tremendamente fastidiose per la telecamera “ballerina”. Posso capire l’utilizzo di questa tecnica per le scene d’azione (come la sparatoria nel bosco, ripresa con inquadrature brevi, concitate e traballanti), ma nel resto del film dà fastidio, soprattutto quando un personaggio è fermo a parlare. Non è chiaro qual è l’intento del regista, se poi tale intento ci sia o no questo non possiamo capirlo. Una scena fissa, senza azione né personaggi in movimento, va ripresa su cavalletto, non a spalla, perché si dà all’immagine un movimento che non c’è, facendola risultare irreale oltre che falsata.

Altro problema: i personaggi. Capisco che i personaggi coinvolti nella storia ivi raccontata fossero molti, ma qui Mann esagera, mostrandocene troppi in troppo poco tempo, con il risultato di una scarsa riconoscibilità e un approfondimento psicologico pressoché nullo, per non parlare di personaggi che scompaiono nel nulla e compaiono dal nulla, spesso senza che ci si accorga di una loro eventuale morte o senza che essi vengano presentati in alcun modo.

La storia d’amore tra John Dillinger e Billie Frechette è, secondo me, mal trattata. In alcune sequenze sembra che l’impossibile amore tra una ragazza e il maggior ricercato d’America sia l’estremo fulcro del film, in altre, invece, Billie non compare proprio, essendo l’attenzione completamente localizzata su Dillinger e le sue “prodezze”. Nel finale, inoltre, l’agente Winstead, dopo la morte di Dillinger, rivela che le sue ultime parole furono per lei. Quando queste parole vengono rivelate, però, allo spettatore ci vuole un po’ a capire (o non capisce proprio, come è accaduto a me) che “Bye Bye Blackbird” era il titolo della canzone che avevano ballato la sera in cui si incontrarono, un po’ perché non si tratta di una canzone molto conosciuta nel 2009, un po’ a causa, almeno nella versione italiana, dell’assai approssimativo doppiaggio.

La scena stessa della morte di Dillinger, per quanto fosse giusto mostrarla un po’ romanzata, è completamente al rallentatore, ed è decisamente troppo lunga, dato che la suspense che dovrebbe derivare da questa parte si smorza dopo i primi trenta secondi, visto che è ormai più che chiaro quello che sta per succedere.

A risollevare le sorti di questo film abbiamo Johnny Depp e Christian Bale, che interpretano i loro personaggi in maniera splendida e accattivante. Come Depp sappia interpretare bene il “cattivo fascinoso” lo sappiamo, dopo “Sweeney Todd“, ma la sua performance come John Dillinger viene decisamente smorzata dalla pochezza dei suoi comprimari. Bale, invece, rende perfettamente l’agente Melvin Purvis, il detective ossessionato dal raggiungimento del suo obiettivo ma forte dei suoi successi e delle sue strategie.

Non possiamo, quindi, ritenere “Nemico Pubblico” un film riuscitissimo. Sicuramente esso è debole in troppe sue parti, a causa delle inquadrature traballanti, dello scarso approfondimento dei personaggi, della storia d’amore trattata con sufficienza e della trama esposta in modo confusionario. Non fosse per la storia che in fin dei conti è accattivante e per la recitazione ottima degli attori principali sarebbe stato un grande flop, invece è un film abbastanza godibile, che raggiunge la sufficienza ma non vola più alto. Peccato, perché John Dillinger è sicuramente una delle figure più controverse della storia del secolo scorso, e sarebbe stato meglio fosse stato trattato in modo migliore.

Voto: 6

La locandina

Titolo: Bastardi Senza Gloria

Titolo originale: Inglourious Basterds

Regia: Quentin Tarantino

Produttori: Lawrence Bender, Quentin Tarantino

Soggetto e sceneggiatura: Quentin Tarantino

Nazioni: Stati Uniti e Germania

Durata: 152 minuti

Distribuzione: The Weinstein Company (USA), Universal Pictures (non-USA)

Anno: 2009

Interpreti e personaggi:

Brad Pitt: tenente Aldo Raine, alias “Aldo L’Apache”

Cristoph Walz: colonnello Hans Landa, alias “Il Cacciatore Di Ebrei”

Michael Fassbender: tenente Archie Hicox

Eli Roth: sergente Donnie Donowitz, alias “L’Orso Ebreo”

Diane Krüger: Bridget von Hammersmark

Daniel Brühl: soldato scelto Fredrick Zoller

Til Schweiger: sergente Hugo Stiglitz

Mélanie Laurent: Shosanna Dreyfus

Trama

Duranta l’occupazione della Francia da parte dei nazisti, il tenente delle Forze Alleate Aldo Raine riunisce otto soldati americani di origini ebree per formare un corpo speciale, denominato “I Bastardi”, il cui obiettivo è uccidere cento nazisti ciascuno e prenderne lo scalpo. A Parigi, intanto, una ragazza ebrea sfuggita alle persecuzioni naziste ha assunto una nuova identità e ha iniziato a gestire un cinema. Un eroe di guerra nazista, Fredrick Zoller, si innamora di lei e convince Joseph Goebbels a proiettare il suo nuovo film propagandistico (“Orgoglio Della Nazione”, sulle gesta dello stesso Zoller) nel cinema di Shosanna, che vuole approfittare della situazione per attuare la sua vendetta. Queste due storie finiranno per intrecciarsi fra colpi di scena, sparatorie e alleanze inaspettate.

Recensione

Avvertenza: questa recensione contiene significativi dettagli sulla trama del film e sul suo finale.

“Bastardi Senza Gloria” è un nuovo capolavoro dell’allucinato regista Quentin Tarantino, che torna dietro la macchina da presa dopo il non eccessivamente convincente “Grindhouse – A Prova Di Morte” del 2007. L’idea di base del film è già di per sé geniale, presentando gli ebrei non più come vittime, come nella maggior parte dei film sull’epoca nazista, ma bensì come vendicatori, uno spunto decisamente anomalo ma originalissimo che crea i presupposti per un film assai atipico. A differenza di altri lavori di Tarantino, come “Pulp Fiction” o “Kill Bill“, la storia è presentata in ordine cronologico, se si escludono i vari flashback sui Bastardi che vediamo all’inizio del film. Questo perché la storia, essendo assai intrecciata, sarebbe risultata forse eccessivamente ostica da comprendere se certi avvenimenti fossero stati presentati prima o dopo il loro effettivo svolgimento cronologico. Un altro marchio di fabbrica del cinema tarantiniano è l’inutile quanto perfetto allungamento di scene a volte non necessarie per il proseguimento della storia (come la scena ambientata nella taverna parigina, in cui i soldati nazisti e i Bastardi e loro alleati si dilettano in un gioco à la Buona Domenica). Alcuni hanno lamentato la mancanza dei famosi “dialoghi” di Tarantino, le scene in cui i personaggi instaurano questi dialoghi surreali e completamente slegati dalla trama e spesso riguardanti argomenti assolutamente futili (celebre esempio: il dialogo in macchina tra Jules e Vincent all’inizio di “Pulp Fiction“). Questa è, secondo me, una scelta in realtà azzeccata. Tutti i film di Tarantino sono ambientati ai giorni nostri, ma non “Bastardi Senza Gloria”,  che si svolge negli anni ’40 in Europa. Scene del genere sarebbero risultate incongruenti e, inoltre, non è così semplice far parlare di futilità uomini vissuti più di 50 anni fa, con il rischio di creare un dialogo anacronistico (e quindi, un errore).

L’attore che più si distingue in questo film è Cristoph Waltz, che interpreta lo Standartenführer (italianizzato in “colonnello” per una maggiore immediatezza) Hans Landa, l’uomo che ha sterminato la famiglia di Shosanna all’inizio del film. Quando i due personaggi si incontrano di nuovo, Waltz contribuisce a creare una suspense magnifica, in quanto lo spettatore non riesce a capire se Landa riconosce la ragazza o no, grazie alla sua magistrale interpretazione (è stato premiato a Cannes come miglior attore proprio per il suo ruolo in questo film). Segnalo anche Brad Pitt, che abbandona il solito personaggio del ‘bello e impossibile’ (dato che ormai sembrava averci perso gusto) per assumere il ruolo del soldato sarcastico, crudele e vendicativo nei confronti dei nazisti: il personaggio di Aldo Raine, infatti, incide una svastica sulla fronte dei nazisti che decide di risparmiare, perché, anche quando si saranno spogliati dell’uniforme, il loro passato di nazisti possa essere sempre riconosciuto.

Le scelte registiche di Tarantino, in questo film, sono impeccabili, a volte assurde (come la scena in cui viene presentato il soldato psicopatico Hugo Stiglitz, il cui nome compare a caratteri cubitali in un fermo immagine), a volte eccessive, come il secondo me eccessivo utilizzo della lingua tedesca (sottotitolata), che a volte è un po’ ridondante. Nel complesso, però, le inquadrature sono sono azzeccatissime, così come il montaggio, e la maestria del regista si nota (come sempre) nelle scene ‘improvvise’, che non vengono mai anticipate e colgono lo spettatore di sorpresa (come il Bastardo Wilhelm che spara senza preavviso ad un tedesco che non vuole collaborare, spaventando anche Aldo). Ma la trovata forse più assurda e geniale è nel finale, in cui Shosanna fa appiccare il fuoco ad un mucchio di pellicole 35mm (notoriamente infiammabilissime) poste dietro lo schermo del suo cinema, trasformandolo in un inferno di fiamme in cui i due Bastardi infiltrati uccidono con le mitragliatrici i gerarchi nazisti presenti alla prima del film “Orgoglio Della Nazione”. La scelta di Tarantino di mostrare un Adolf Hitler che muore crivellato dai proiettili dei Bastardi crea un falso storico di proporzioni colossali, sfondando la già sottile linea tra finzione e storia che nel film è stata più volte martoriata.

Ma non voglio raccontarvi tutto il film: andatelo a vedere se non l’avete già visto e godetevi il genio di un regista che è riuscito a traformare il periodo nazista in un soggetto allucinante e trascendentale, mostrandoci non la Storia con la S maiuscola ma una sua ideale versione in cui i buoni vincono realmente, per quanto con grandi sacrifici. Da vedere.

Voto: 8,5

La copertina

Artista: Porcupine Tree

Album: The Incident

Durata: 75:56

Genere: Progressive Rock, Progressive Metal, Experimental Rock

Anno: 2009

Etichetta: Roadrunner Records

Tracklist:

CD 1

1. The Incident
   1. Occam’s Razor
   2. The Blind House
   3. Great Expectations
   4. Kneel And Disconnect
   5. Drawing The Line
   6. The Incident
   7. Your Unpleasant Family
   8. The Yellow Windows Of The Evening Train
   9. Time Flies
   10. Degree Zero Of Liberty
   11. Octane Twisted
   12. The Séance
   13. Circle Of Manias
   14. I Drive The Hearse

CD 2

1. Flicker
2. Bonnie The Cat
3. Black Dahlia
4. Remember Me Lover

Come si possono definire i Porcupine Tree? Forse non si possono proprio definire. La band di Steven Wilson esiste ormai da quasi vent’anni, e ha continuato, durante la sua ascesa, ad avere un seguito ed un’influenza sempre maggiori. Non a  caso tutti i loro album dell’ultimo decennio hanno riscosso un grandissimo successo di critica e pubblico, e le date italiane sono sempre gremite di persone di tutti i tipi ed età, dai giovani metallari ai vecchi nostalgici di King Crimson e Jethro Tull. Difatti il quartetto britannico produce una musica veramente per tutti i gusti, grazie all’ecletticità del cantante, chitarrista, autore , paroliere, canto-e-suono-a-piedi-nudi-sul-palco Steven Wilson, un personaggio veramente sui generis che deve tutto a questa sua creatura e che per essa vuole tutto.

Siamo quindi giunti al decimo album, e quando poteva sembrare che ormai la vena artistica dei quattro fosse ormai esaurita (lo pensiamo ad ogni album, ci sembra impossibile che lui possa riuscire a creare ancora qualcosa dopo aver sperimentato di tutto), loro se ne escono con “The Incident“. Molto diverso dal precedente “Fear Of A Blank Planet” come sonorità, ma allo stesso tempo immediatamente riconoscibile come un album dei Porcupine Tree. Questa volta Wilson ha deciso di proporci un album composto da due dischi, e ci potremmo chiedere perché, dato che un cd contiene 80 minuti e la durata totale dell’album è di 76, ma la ragione è dietro l’angolo: il primo disco, infatti, presenta quello che sarebbe un solo brano di 55 minuti diviso in quattordici movimenti chiamato, appunto “The Incident“, mentre nel secondo disco ci sono quattro canzoni slegate dal concept del primo, per cui si è pensato di separarle nettamente dalla prima, a scapito, forse, dell’attenzione che potrebbe esservi rivolta.

Andiamo ad analizzare questo monumentale maxi-brano contenuto nel primo disco: intanto i Porcupine Tree hanno deciso (per fortuna) di non pubblicarlo come una traccia unica, ma in quattordici tracce, una per movimento, scelta azzeccata in quanto un solo brano di quasi un’ora avrebbe faticato a farsi ascoltare. Tutto il brano ruota intorno ad un concept: gli incidenti, in ogni loro accezione. Incidenti d’auto, incidenti di percorso, eccetera. In ogni movimento ci si mette nei panni di chi ha subito questi incidenti, vedendo così ogni volta una diversa sfaccettatura della vita delle persone coinvolte. Non posso e non mi sento di fare l’analisi traccia per traccia come faccio di solito, perché per quanto le tracce siano alla fine comprensibili anche prese singolarmente, fanno comunque parte di un unico continuum inscindibile, e inoltre alcune sono soltanto dei collegamenti tra quelle più importanti. Diciamo che alcuni movimenti sono più degni di nota come “The Blind House“, che è la presentazione dell’album, che vede un susseguirsi di parti che sembrano quasi contrastanti: un’intro distorta ed aggressiva seguita da una strofa dolce, calma ed onirica, culminante in un ritornello a metà tra quesi due stili. Oppure “Drawing The Line”, con il suo ritornello veloce e quasi ossessivo alternato ad un strofa che sembra raccontare qualcosa a metà tra un sogno ed un incubo. Sicuramente, però, il pezzo più incisivo di quest’opera è “Time Flies“, da cui è stato tratto un videoclip. Il brano svetta per la sua durata decisamente superiore a quella degli altri (più di 11 minuti) e racconta di come il tempo scorra senza che l’uomo riesca a rendersene conto. Questa chitarra acustica continua e irrefrenabile spinge l’ascoltatore a cercare di capire dove il pezzo voglia arrivare, senza accorgersi che alla fine sta già canticchiando il ritornello, così orecchiabile pure nella sua genialità. A chiudere il primo disco, l’ultimo movimento, “I Drive The Hearse“, è indubbiamente la miglior conclusione possibile per “The Incident“, in quanto, dopo 50 minuti di sorprese, e temi che si rincorrono (bellissima la ripresa in “Degree Zero Of Liberty” dell’intro “Occam’s Razor“) è finalmente arrivato il momento di scendere di tono e, con un po’ di malinconia, rilassarsi, “and silence is another way of saying what I want to say”.

Il secondo disco è, purtroppo, una realtà completamente diversa. Lo stile ed il sound del resto dell’album permangono, ma manca quella splendida continuità che ritroviamo nel primo. Le quattro tracce, pur essendo tutte di buon valore (in particolare “Remember Me Lover“) non riescono certo ad eguagliare la monumentalità di quell’unica, per quanto lunghissima, canzone presente nel primo cd, né riescono a farcela dimenticare. Quindi diciamo che (per chi, come me, ancora compra e ascolta i cd) se bisogna scegliere tra uno dei due, si finirà inevitabilmente per scegliere il primo disco, dato che il secondo, per soli quattro brani, forse vale poco la pena.

Steven Wilson, Richard Barbieri, Colin Edwin, Gavin Harrison. Imprimetevi bene i nomi di questi quattro fantastici musicisti, che hanno la rara capacità di essere ottimi, precisi e mai banali singolarmente, e di essereancora meglio in quattro . Da menzionare il batterista Harrison, che con i suoi tamburi, piatti e pedali riesce a fare veramente di tutto, ma soprattutto la chitarra di Wilson, un vero e proprio genio con il suo strumento, che non mira ad essere ricordato per tecnica e velocità, ma che ricordato sarà sicuramente per la capacità di suonare una chitarra in qualsiasi modo possibile. Certo, non è dotato di queste grandi capacità vocali, ma finché riesce ad usarle come vanno usate non c’è di che lamentarsi.

Qualche lato dolente? Sicuramente la scarsa immediatezza. Per assimilare questo album bisogna ascoltarlo più volte e con molta attenzione, altrimenti si rischia di perderne molte sfaccettature ed è sicuramente un peccato. Inoltre, torno al discorso del secondo cd: personalmente ritengo non solo che allunghi inutilmente l’album, ma che rischi di renderlo quasi pesante (il troppo stroppia, come dice il luogo comune). Penso che avrei trovato questo album fantastico anche se fosse stato composto da un solo disco.

I Porcupine Tree hanno pubblicato diversi album meritevoli di entrare nella storia, e con questo ne hanno aggiunto un altro. Ci dimostrano che, ancora una volta, la scuola della vera musica ha sede in Inghilterra, la patria di tanti di quegli artisti importanti che non sto nemmeno ad elencarli. Hanno dato a quel Progressive Rock-Metal un tocco diverso, tanto da rendere questo genere, che spesso può annoiare, usufruibile anche da chi non ha troppa voglia di stare dietro alle infinite ed infinitamente inutili dimostrazioni di bravura dei suoi maggiori esponenti (ad esempio i Dream Theater), riuscendo ad essere originali, creativi, intimi, mai banali. Davvero un ottimo lavoro. Per la precisione, il decimo.

Voto: 8,5

I Sonata Arctica se ne tornano in Italia dopo soltanto un anno. Un anno fa, proprio in questo periodo, ebbi l’occasione di sentirli in quel di Piacenza, in compagnia di due validi gruppi come Pagan’s Mind e Vanishing Point. Quest’anno il quintetto finlandese continua con il trend di portarsi dietro ben DUE gruppi, che sono, in questo caso, Winterborn e Delain.

Arrivo giusto in tempo per l’inizio dei primi: i Winterborn, ex-Mean Machine, sono un gruppo relativamente giovane, con all’attivo due full-lenght ma che hanno già la grande occasione di aprire i Sonata Arctica, per cui ci si aspetta molto da loro… La mia attesa non è stata però eccessivamente ripagata. La band suona uno stile di metal che è fondamentalmente lo stesso di Pagan’s Mind e Vanishing Point, cioè quel power-prog che tanti proseliti ha fatto in quest’ultimo decennio. Il fatto che i Winterborn si affaccino adesso sul panorama musicale porta un grosso svantaggio: che tutto sa di già sentito. Non fraintendetemi, non voglio dire che sia stato un brutto concerto, perché questi ragazzi ci sanno fare davvero, sono stati comunque trascinanti e tecnicamente molto precisi, il problema è proprio il loro tipo di musica, che è stato talmente sfruttato che ormai non ha più nulla da dire.

Winterborn – Voto: 6,5

Entrano poi sul palco i Delain, i quali, pur con la loro maggiore esperienza, presentano lo stesso difetto dei Winterborn. La band olandese propone infatti un gothic-symphonic con voce femminile. Quanti ce ne sono? Troppi. E dopo aver sentito gli Epica e Tarja quest’estate, i Delain mi sembrano irrimediabilmente banali. Una copia spudorata di Epica, After Forever, e tutte le band su questo stampo. La cantante Charlotte Wessels, inoltre, pur avendo una voce discretamente buona (ma non riconoscibile nell’attuale panorama, che ha già le sue “mostre sacre” in Floor Jansen, Tarja Turunen, Cristina Scabbia, Sharon Den Adel… Decisamente troppe) non convince troppo. Il pubblico è comunque più caloroso rispetto a quello dei Winterborn, e, quando inizio a sentire i cori: “Nu-da! Nu-da!”, capisco perché. A causa dei fonici (che anche durante il concerto dei Sonata Arctica faranno il loro lavoro in modo approssimativo), i Delain rimangono persino trenta secondi ad audio completamente spento. Alcuni hanno detto che si trattava di un black-out, ma considerando che le luci sono rimaste accese e che il gruppo ha continuato a suonare (evidentemente le spie stavano ancora funzionando), probabilmente era solo colpa dei fonici. La band comunque si rivela anch’essa impeccabile dal punto di vista tecnico, e le facciamo tano di cappello per non essersi fermati alla sparizione dell’audio, ma questo, purtroppo, non basta a risollevare dalla sufficienza un concerto decisamente povero dal punto di vista dell’originalità.

Delain – Voto: 6,5

Finalmente entrano i padroni di casa. “Everything Fades To Gray” (com’era assai prevedibile) fa da introduzione ad un concerto che parte con “Flag In The Ground” mandando il pubblico in visibilio. Le canzoni si succedono molto rapidamente, continuando con due pezzi del precedente “Unia” (“Paid In Full” e la stupenda “Caleb“) e altri due dell’ultimo lavoro, “The Last Amazing Grays” e “As If The World Wasn’t Ending”. Il pubblico è quasi cotto a sufficienza, ma sappiamo come sono i metallari: le canzoni nuove non fanno mai lo stesso effetto che fanno le vecchie. Così, dopo qualche scherzo del tastierista Henrik Klingenberg, i Sonata Arctica suonano il più classico dei classici: “FullMoon“. E il pubblico esplode letteralmente. La seguente “Last Drop Falls” è cantata quasi interamente dalla cantante dei Delain, salita sul palco dei Sonata Arctica per sostituire temporaneamente un Tony Kakko ancora influenzato (a dopo le spiegazioni su questo), salvo farlo rientrare per il finale. Finale in cui, sempre grazie ai fonici, lo vediamo sgolarsi e urlare senza sentire alcun suono (equalizzazione veramente approssimativa, poi uno che fa il fonico di mestiere dovrebbe pure accorgersi che un microfono non si sente). Non contenti, i finlandesi ritornano alla loro ultima fatica discografica con “Juliet“, brano che ho scoperto rendere senz’atro di più in sede live, ma che non viene accolto con neanche un decimo del calore con cui viene accolta, dopo un’interessante ‘momento assoli’ del tastierista Klingenberg e del chitarrista Viljanen, “Replica“, che il pubblico conosce a memoria, a giudicare dal fatto che viene cantata a squarciagola da tutto il Palasharp. Si continua con “8th Commandment” del primo album, segnando l’unico momento realmente heavy di tutta la serata. Dopo una breve pausa, i Sonata Arctica tornano sul palco accennando “We Will Rock You” dei Queen e suonando in rapida successione “In Black And White” e la classica “Don’t Say A Word“. Nel momento in cui tutti si aspettavano “The Cage“, la band accenna brevemente “Vodka” (la canzone con cui concludono tutti i concerti) e il finale di “Everything Fades To Gray“. E il concerto finisce.

Una buona performance? In parte. Alcuni show appena antecedenti la data italiana erano stati cancellati a causa di un’infezione alle corde vocali di Tony Kakko, che in questa serata non si era ancora del tutto ripreso, data la grande fatica con cui, ancora all’inizio del concerto, cantava le note alte che sarebbero il suo marchio di fabbrica. Aggiungiamo inoltre l’estrema brevità del concerto (nemmeno un’ora e mezza), da molti attribuita alla condizione fisica del singer, ma in realtà le scalette dei precedenti concerti avevano la stessa lunghezza. Contando inoltre l’assai approssimativo lavoro dei fonici, non è stato il mio concerto migliore. Perché portarsi dietro due band di supporto? E se proprio è necessario, perché, per far suonare loro, i fan che vogliono vedere il gruppo principale devono vedersi accorciare il tempo del concerto che hanno pure pagato (e magari anche percorso chilometri) per vedere? Insomma, rispetto all’anno precedente, i Sonata Arctica hanno suonato un concerto decisamente inferiore alle aspettative, un po’ a causa di fattori purtroppo non dipendenti da loro (la malattia di Kakko o i fonici incapaci), ma un po’ a causa di un concerto troppo corto per un gruppo headliner che fa un’unica data italiana e che ha milioni di fan in tutto il mondo, per non parlare di una scaletta decisamente carente (solo dodici canzoni, che, potendo pescarne da sei album, sono davvero poche). Comunque, va detto che le canzoni suonate erano perfettamente eseguite, tralasciando la scarsa forma del singer i musicisti sono stati perfetti, e perfino Kakko stesso ha sfidato la malattia cercando di offrire comunque una prestazione che fosse la migliore possibile. Il quintetto finlandese sembra, insomma, aver iniziato a montarsi un po’ troppo la testa, cosa che speriamo tutti venga smorzata in occasione del prossimo tour.

Sonata Arctica – Voto: 7

La copertina

Artista: Sonata Arctica

Album: The Days Of Grays

Durata: 59:20

Genere: Power Metal, Progressive Metal, Symphonic Metal

Anno: 2009

Etichetta: Nuclear Blast

Tracklist:

1. Everything Fades To Gray (Instrumental)
2. Deathaura
   1. The Premonition
   2. The Witch-Hunt
   3. Exposing The Heathen
   4. Envy
   5. The Fear
   6. The Grudge
   7. The Curse
   8. The Flames
   9. Endless Inquisition
   10. … Together, Today, For All Eternity
3. The Last Amazing Grays
4. Flag In The Ground
5. Breathing
6. Zeroes
7. The Dead Skin
8. Juliet
9. No Dream Can Heal A Broken Heart
10. As If The World Wasn’t Ending
11. The Truth Is Out There
12. Everything Fades To Gray (Full Version)

Sono passati dieci anni da quell’”Ecliptica” che segnò il debutto degli allora giovanissimi Sonata Arctica. Al sorprendentemente preciso ritmo di un album ogni due anni, i power-metallers finlandesi hanno progressivamente cambiato le carte in tavola, arrivando ora, in questo loro sesto album, ad una proposta ormai completamente differente. Vennero etichettati come delle macchiette che copiavano gli Stratovarius (a cui erano fortemente ispirati nelle loro prime produzioni) e sono arrivati a superarli in termini di fama e seguito.

Partendo da queste considerazioni, cominciamo a parlare dell’album vero e proprio: è veramente assurdo pensare che sia stato pubblicato a soli due anni di distanza dal già ottimo “Unia“, contando che in mezzo ci sono stati due tour mondiali, dato che “The Days Of Grays” è decisamente un album ragionato, soppesato in ogni sua armonia, costruito ad arte nota dopo nota dal compositore, paroliere e cantante Tony Kakko. Con questo non intendo dire, però, che l’ultima fatica dei finnici metallari abbia raggiunto la perfezione, anzi; ma di questo parleremo nel corso della recensione. Quello della band, in questo album come nel precedente, è un sound molto diverso da quello delle cavalcate power degli inizi; i nostri, anzi, ora ci deliziano con un quasi-progressive che ha diviso i fan della prima ora (ma i metallari, si sa, raramente sono contenti) ma che dimostra una buona capacità compositiva, a scapito, però, dell’immediatezza e dell’incisività, la mancanza delle quali pregiudica sovente la buona riuscita di una canzone.

Si inizia con l’intro strumentale “Everything Fades To Gray“, forse un po’ troppo lunga come intro, ma che presenta bene l’album con una melodia suonata al pianoforte che sembra essere rassicurante ed angosciante al tempo stesso (che è un po’ un brevissimo riassunto per l’attuale sound dei Sonata Arctica). Il disco inizia veramente, però, solo con la seconda traccia, “Deathaura“, una complessa suite di otto minuti che sembra voler indicare che i Sonata Arctica sono tornati per fare sul serio. La canzone è infatti molto articolata, presentando molti movimenti assai diversi tra loro ma mai slegati dal chiarissimo filo conduttore della canzone; a parere di chi scrive il pezzo migliore dell’intero album. Una curiosità: anche i Sonata Arctica hanno deciso, dopo averlo visto fare a molti loro colleghi, di dividere la ‘canzone lunga’ in diverse parti o movimenti… Questa operazione è però un po’ esagerata, dato che trovo inutile dividere una canzone di otto minuti in dieci parti (una dura pochi secondi), dove ci sono canzoni più lunghe (come “The Power Of One“, degli stessi Sonata Arctica), che riesce benissimo in una sola parte. A seguire il primo singolo dell’album, “The Last Amazing Grays” (ancora una volta tagliata pesantemente nella versione radiofonica, come accadde due anni fa a “Paid In Full“), pezzo che spiega una volta per tutte chi sono i Sonata Arctica oggi. Struttura semplice, ma melodie molto ben realizzate. Il secondo singolo (e unico video) del disco è invece “Flag In The Ground“, che, se la precedente traccia spiegava il sound attuale del gruppo, tende invece ad unire i vecchi suoni con quelli nuovi; essa passa infatti dalle cavalcate power dell’intro e dei ritornelli alle sonorità più progressive e ragionate di strofe e assoli, rivelandosi così una vera e propria summa del sound della band dagli inizi a oggi. L’unica pecca è la lampante e fin troppo evidente somiglianza al brano “The Cage” del 2003; in occasione dei concerti, infatti, i nostri tendono a suonare “Flag In The Ground” all’inizio e “The Cage” per ultima. nonostante questo, però, il pezzo si aggiudica un ottimo piazzamento nella classifica dei brani più riusciti dell’album. La seguente “Breathing” risulta invece parecchio sottotono; i Sonata Arctica sono famosi per le loro struggenti ballate, ma in questa hanno proprio toppato, dato che la canzone risulta monotona e assai poco incisiva. I tre pezzi successivi, “Zeroes“, “The Dead Skin” e “Juliet” sono da me spesso considerati un’ideale ‘trilogia’: benché siano abbastanza diversi tra di loro, presentano molti punti in comune, come il totale distacco dal sound dei primi dischi, la struttura articolata e variegata e i suoni decisamente più sul symphonic-progressive. Ottimi pezzi, ma in alcuni punti perdono di incisività. “No Dream Can Heal A Broken Heart” risalta solo per il suo lunghissimo titolo, dato che la canzone di per sé fa particolarmente fatica a rimanere impressa nella testa dell’ascoltatore, nonostante si tratti di un pezzo assai ben congegnato. In “As If The World Wasn’t Ending” , i Sonata Arctica vogliono provare a rifarsi: dopo la scadente “Breathing“, la band vuol dimostrare che le ballate sono ancora il loro punto di forza, e così questa traccia rilancia decisamente la seconda metà dell’album, rivelandosi accattivante e dolce come nella migliore tradizione del gruppo finlandese. Lo stesso non si può dire di “The Truth Is Out There“, la quale risulta ancora meno incisiva di “No Dream Can Heal A Broken Heart” e che faticherà ad essere ricordata nella storia del gruppo. Quando sembra che ormai la vena creativa si sia esaurita, i Sonata Arctica piazzano, come finale dell’album, una canzone che può dare sia ragione che torto a questa tesi: la versione cantata ed allungata di “Everything Fades To Gray“, la stessa che, nella sua versione strumentale, apriva l’album. E sta proprio in questa scelta che si rivela il genio dei Sonata Arctica: con il cantato e il finale con chitarre aggiunto, la canzone assume un fascino ed un appeal insospettabili nell’intro, e si rivela la degna conclusione di un album globalmente molto buono.

I musicisti svolgono, come sempre, il loro lavoro in maniera molto egregia; “The Days Of Grays” è inoltre il primo album in cui troviamo il nuovo membro Elias Viljanen alle chitarre, e per quanto molti rimpiangano il precedente chitarrista Jani Liimatainen (ora impegnato con diversi progetti) non si può certo dire che Viljanen non sia un degno sostituto, anzi. Ottimo lavoro anche per l’immenso tastierista Henrik Klingenberg, veramente un pilastro per il sound del gruppo. Ma l’ultima e la più importante menzione spetta sicuramente a Tony Kakko, che interpreta ottimamente i suoi brani con la sua incredibile voce, senza la quale i Sonata Arctica non sarebbero mai arrivati dove sono ora; Kakko è, infatti, in grado di ottenere quello che vuole dalla sua voce: un’estensione vocale di tutto rispetto e l’ottima capacità tecnica sono gli ingredienti fondamentali del suo esplosivo stile vocale.

Il disco, però, presenta una grande pecca: la scarsa immediatezza ed incisività di quasi tutti i brani. Come il precedente “Unia“, “The Days Of Grays” si può definire, ad un ascolto complessivo ed attento, un ottimo album; però, una volta estratto il cd dal lettore, saranno ben pochi i brani rimasti in testa all’ascoltatore. I Sonata Arctica hanno deciso di diventare una band adulta e più intima, utilizzando suoni più ricercati e strutture più complesse, dove invece i primi album presentavano diversi pezzi tutti molto simili tra di loro. Questo è però andato a scapito dell’immediatezza caratteristica dei vecchi lavori, dato che, per quanto le canzoni siano tutte artisticamente molto valide, mancano di quella riconoscibilità, di quel punto di forza che fa ricordare a memoria la canzone ai fan anche anni dopo l’ultimo ascolto.

Per chiudere, “The Days Of Grays” è sicuramente un album degno di nota. Si tratta di un must per tutti gli appassionati di Power Metal, Progressive Metal e Symphonic Metal, ed inoltre è un album pubblicato da una band che, dopo molta gavetta, è riuscita a fare scuola e a diventare una delle metal band più seguite al mondo (basti pensare allo spostamento del loro ultimo concerto dall’Alcatraz al ben più capiente Palasharp a causa della scarsa capienza del primo). Purtroppo, però, questo album ha lo stesso, grosso difetto di “Unia“, cioè che non incide, non arriva ad un punto, salvo alcuni pezzi di valore altissimo. Per cui, in definitiva un album molto valido, offuscato però dalla semplicità e dall’immediatezza che tuttora ci fanno rimpiangere gli esplosivi inizi di questo gruppo.

Voto: 7

La copertina

Artista: Mastodon

Album: Crack The Skye

Durata: 50: 08

Genere: Sludge Metal, Progressive Metal

Anno: 2009

Etichetta: Reprise Records

Traklist:

1. Oblivion
2. Divinations
3. Quintessence
4. The Czar

   1. Usurper
   2. Escape
   3. Martyr
   4. Spiral
      
5. Ghost Of Karelia
6. Crack The Skye
7. The Last Baron

È con immenso piacere che mi accingo a scrivere la prima recensione di questo blog: quella dell’ultima fatica dei Mastodon, quartetto di Atlanta che ha saputo dare all’Heavy Metal una ventata di novità come non se ne vedevano da un bel po’.

Ormai arrivati al quarto disco, la band sembra non essersi ancora stufata di provare nuove sonorità, così diverse eppure così in linea con il sound dei precedenti lavori. I quattro hanno subìto (come capita a molte band) un progressivo ammorbidimento dei suoni nel corso del tempo, dal cattivissimo “Remission“, debut album del 2002, all’acclamatissimo “Blood Mountain” del 2006, dove i Mastodon iniziavano già a dare tinte progressive al loro sound. “Crack The Skye” è l’ultima tappa di un percorso di cui è difficile prevedere lo sbocco finale, ma che finora ha registrato solo enormi successi e consensi.

L’album si apre con “Oblivion“, e non c’era pezzo migliore per introdurlo (e forse è il migliore dell’intero album). La canzone è articolata in diversi momenti, e presenta i tre vocalist della band (Brann Dailor, Troy Sanders e Brent Hinds, rispettivamente batterista, bassista e chitarrista) ad alternarsi alla voce principale (cosa che continuerà nelle canzoni successive). La tecnica è magistrale e “Oblivion” comunica moltissimo, soprattutto grazie alla grandissima novità presentata dalla band: l’uso del cantato pulito per tutto l’album, abbandonando così il cantato growl e scream, predominante finora. Il pezzo successivo è “Divinations“, primo singolo, articolato in un rapido 6/8 che difficilmente non vi farà perlomeno battere il piede a tempo. “Quintessence” e “The Czar” sono il vero emblema del nuovo sound dei Mastodon: tecnicamente e strutturalmente assai articolate (soprattutto la seconda, di ben dieci miunti), ma mai noiose, banali o ripetitive. “Ghost Of Karelia” e “Crack The Skye“, invece, riprendono qualcosa del precedente “Blood Mountain“,  ricordando al pubblico che i Mastodon sono sempre e comunque dei grezzoni quando ci si mettono, aiutati dallo scream di Scott Kelly dei Neurosis, ospite alla voce di “Crack The Skye“. “The Last Baron“, infine, è qualcosa di completamente a sé stante: nei suoi tredici minuti di lunghezza, Esprime tutto ciò che i Mastodon rappresentano nel panorama metal odierno: qualcosa di incredibilmente unico, originale ed innovativo. Questa suite contiene temi che si rincorrono, cambi repentini di registro e un utilizzo fantastico di tutta la strumentazione a disposizione del gruppo.

La tecnica dei nostri è veramente incommensurabile, ma da segnalare sono soprattutto il perfetto lavoro dei chitarristi Brent Hinds e Bill Kelliher, che probabilmente da soli sarebbero solo chitarristi di buon valore, ma che insieme riescono a dar vita ad un amalgama che non ha rivali, e la splendida batteria di Brann Dailor, che non utilizza la batteria soltanto per dare il tempo alle canzoni, ma vi conferisce un’ulteriore voce, capace di accompagnare, di far risaltare e, perché no, quasi di mettere in secondo piano il resto degli strumenti.

Note dolenti? Diciamo che il sound aggressivo dei precedenti lavori tende a latitare in favore delle nuove architetture progressive, ma le capacità della band non ce lo fanno rimpiangere troppo. Inoltre va detto che nessuno dei tre vocalist sarà ricordato nella storia del canto (soprattutto in sede live, dove il cantato si dimostra a volte approssimativo o addirittura stonato), ma i quattro di Atlanta non hanno mai dato troppo peso alla voce.

Ciò detto, chi scrive fa presente che considera questo album il migliore del 2009. Sia per l’originalità che per lo stile, i Mastodon potrebbero creare nuovi standard per la musica metal dei nostri giorni, e i quattro, forti dell’enorme successo di pubblico e critica riscosso da tutti i loro lavori, potrebbero essere in grado di diventare, in futuro, i nuovi punti di riferimento per il mondo metallaro.

Voto: 9

Tengo a precisare che tutto quello che verrà scritto sarà (salvo diversa indicazione) completamente soggettivo. Perciò non intendo sostenere che la mia opinione sia quella giusta o quella universale, semplicemente è la mia. Perciò sentitevi pure in diritto di commentare per ampliarla, contestarla o rifiutarla. Nessun commento sarà cancellato, purché costruttivo.

Fate attenzione, però: come dice il titolo, ho davvero dei pessimi gusti…

A presto con il primo vero post!